Ative as notificações do blog para ser avisado sempre que tiver conteúdo novo!
Receba os melhores conteúdos para crescer seu negócio online.
Conheça os principais planos de câmera
Produção de Vídeos
Enquadramento aberto, fechado, close-up, detalhe, de passagem: esses nomes podem não ser tão populares, mas certamente você reconhecerá os efeitos que eles causam no público. Saiba mais!
00 min
As técnicas audiovisuais ajudam a transformar a mensagem na hora de gravar vídeos. Entre elas, o enquadramento é um dos mais importantes recursos da linguagem cinematográfica.
Os diferentes tipos de planos de câmera garantem efeitos específicos, como o de ambientação ou de choque no espectador.
Muitas vezes, também somos levados por diversos posicionamentos, de modo que a nossa resposta emocional é construída aos poucos. Por isso, saber usar as técnicas de enquadramento é um dos meios mais eficazes de conseguir realmente transmitir uma mensagem para o público, além do conteúdo explícito — como o roteiro de fala.
Neste texto, vamos conhecer justamente os planos de câmera mais utilizados para fazer vídeos e qual é a expressão de cada um em uma cena.
O enquadramento determina qual será o tamanho de objetos e pessoas em relação ao ambiente.
Escolher o posicionamento de câmera certo pode levar o público a ter sensações específicas. Esse é um dos aspectos que separa um vídeo profissional de um amador.
Em geral:
O plano aberto — também chamado de plano geral ou very long shot — é o que mostra uma visão panorâmica.
Normalmente, esse tipo de plano isola uma figura humana ou um objeto em uma paisagem ampla.
Sua principal função é a de ambientar o público, ou seja, mostrar o lugar que rodeia os personagens.
Por exemplo, a cena da série Star Trek: Discovery, em que duas silhuetas aparecem caminhando em um enorme terreno de areia.
Outro exemplo é no filme O Iluminado, de 1980, uma das cenas mais icônicas é a visão de cima do labirinto invernal onde, mais tarde, ocorrerá uma perseguição. Ao aproximar a câmera, percebemos que há uma pessoa no centro.
Já o plano médio — ou long shot — é um pouco mais próximo do que o aberto, mas ainda mostra bastante do ambiente.
Ele serve para estabelecer uma relação temática entre o personagem e o espaço.
No exemplo do filme Blade Runner 2049, o protagonista caminha em meio a gigantescas estátuas femininas, localizadas em uma Las Vegas em ruínas.
O chamado plano americano — ou mid shot (médio/moderado) — é um dos enquadramentos que já caminha para o campo das expressões.
Embora ainda mostre um pouco do ambiente, a câmera normalmente mostra os personagens dos joelhos para cima e não enfoca em temas.
Nesta cena do seriado Twin Peaks, por exemplo, temos um diálogo entre dois personagens que demonstra uma inter-relação de alento ou de cordialidade.
Em Cowboys & Aliens, também temos um exemplo de mid shot, com o foco mais próximo da silhueta do personagem.
O close-up é um clássico entre os planos de câmera.
Ele serve para dar foco aos sentimentos do personagem, com a câmera bastante próxima. Normalmente, ela se concentra na figura humana dos ombros para cima.
Dois exemplos são as cenas de O Regresso e de Full Metal Jack.
Na primeira, a expressão que a cena nos passa é de cansaço e tristeza.
Na segunda, o foco no rosto, o gesto com a mão e até mesmo o ângulo de baixo para cima transmite um efeito de autoritarismo ou opressão.
Já no primeiríssimo plano, as lentes da câmera nos levam ainda mais fundo no sentimento do personagem.
O enquadre fecha o rosto na câmera, de modo que muito pouco ou nada no ambiente consiga ser visto.
A clássica cena do filme O Silêncio dos Inocentes é um exemplo. Nela, a narrativa nos faz ter medo do personagem principal, em especial por causa do enfoque em que ele aparece muito próximo, levemente superior e com os olhos incisivos no público.
Em Closer: Perto Demais também temos um exemplo de primeiríssimo plano. O close acentuado no rosto da personagem evidencia bastante a carga emocional.
Ainda mais próximo que o primeiríssimo plano, o detalhe serve para dar foco a algum objeto pequeno. Em geral, não se reconhece o ambiente ou mesmo o próprio objeto.
O objetivo é criar uma sensação de mistério e a surpresa posterior quando o enquadramento fica mais amplo, o que ajuda a prender a atenção do espectador.
Esse tipo de enquadre aparece no filme Requiem For a Dream, em que o foco nos olhos mostra as transformações na pupila depois do uso de substâncias químicas.
Outro exemplo está na série Breaking Bad, com a câmera focando em uma mosca sobre as lentes dos óculos.
O plano sequência é muito interessante para dar a ideia de continuidade ou mesmo de dinamicidade.
Ele é caracterizado por ser um shot sem cortes — ao menos, aparentemente — e garante resultados incríveis principalmente em temáticas de ação.
Na série Demolidor, temos um exemplo muito bom: são mais de 3 minutos de gravação contínua em uma cena de luta no corredor — um número bastante impressionante no meio cinematográfico.
Já o inicial ou de passagem, é um dos planos de câmera empregados para situar o público quando há mudança de localização na narrativa.
Normalmente, o diretor pode optar por usar um plano aberto com cortes para a troca de ambientes. No entanto, há outras formas de se mostrar essa passagem.
No filme Chumbo Grosso, por exemplo, há uma cena em que o personagem passa por diversos ambientes em pouco mais de 30 segundos. A câmera passa por cortes rápidos intercalando shots panorâmicos e closes.
Como você viu, os planos de câmera fornecem os mais variados efeitos na cena.
Para quem trabalha com a produção de vídeos, entender o poder dos enquadramentos é importante para conseguir shots mais direcionados.
O posicionamento certo é capaz de contar a história de um jeito diferente e criar determinadas sensações e respostas emocionais no público.
Para deixar seus vídeos ainda mais profissionais, veja também nosso post sobre como gravar em ambientes externos.
